Der Mantel der Erde ist heiß und teilweise geschmolzen

Das habe ich schon im Erdkundeunterricht gelernt. Oder zumindest gehört. Man wird ja manchmal klug, wenn man sich langweilt, und ein Atlas ist ein guter Ansatzpunkt zum Abdriften, wenn man in der Schule nicht mehr zuhört, sondern gedanklich versucht, die Erdteile wie Puzzelstücke wieder zusammen zu setzen, die mal auf den flüssigen Teilen der Erde auseinandergeschwommen waren aber fraglos zusammengehören. Pflanzenteile die man an der Westküste Afrikas und der Ostküste Südamerikas finden kann, weist mein Atlas aus, Spuren von Tierarten, die auf den Höhenlinien entlangzogen.

Über Grenzen, Schwammiges, das Verschieben erzählt der Roman, er fasst niemals Fuß auf dem sich verschiebenden Grund, auf dem wir uns bewegen. Was heißt da bodenständig, wenn sich die Platten auf der Lava so bewegen, dass sich Kontinente bilden?

Ein Anti-Krimi. Während sich der Krimi auf ein Ziel fokussiert, die Auswahl der Welt einschränkt, steckt dieser Roman seine Grenzen schon im Titel (nicht) ab: „Der Mantel der Erde ist heiß und teilweise geschmolzen.“ Es geht um Alles und Nichts, um Energie und um Müdigkeit, über die die namenlose Erzählerin promoviert, während Nelly, deren Verschwinden die Romanhandlung auslöst, sich mit Plattentektonik und schmelzenden Erdmassen beschäftigt und mit flirrender Energie die Karriereleiter der Juniorprofessur samt Eigentumswohnung erklommen hat. Eine Juniorprofessur für Seismologie, den winzigkleinen Bewegungen der Erdplatten nachspüren, und das macht auch dieser Text. Überhaupt beschreibt sich der ganze Text selbst:

„Sie (Nelly) entwarf Skizzen für Ausstellungsstücke, bunte, dreidimensionale Modelle, Veranschaulichungen der Plattentektonik, der Theorie vom Auseinanderbrechen und -driften der Kontinente. Es konnte einem auf den Nerv gehen, ihre ständige Unruhe, aber wenn sie fehlte, breitete sich Traurigkeit aus, eine Ruhe und eine Leere, wie sie vor ihrem Besuch nicht geherrscht hatte oder vielleicht doch geherrscht hatte, aber es war nicht mehr möglich, sich das vorzustellen, sich daran zu erinnern.“

Sinn und Bedeutung driften auseinander, wenn das Material darunter zum Schmelzen kommt. Wenn man lange genug darüber nachdenkt, woraus die Erde besteht (Mineralien, Elemente, Moleküle) und wie sie entstanden ist (Urknall, Fliehkraft, Unterdruck?) kann man darauf kommen, dass das alles völlig zufällig ist, unzusammenhängende Teile zusammenhängen, ohne Bedeutung – so ist dieser Roman gebaut.

Eine Erinnerung. Am Waldrand, ein Wochenendgebiet, Freizeit im Wald, Arbeit in der Stadt, Freizeit und Arbeit prallen aufeinander, Informationen münden nicht in Verstehen, weder für die Erzählerin auf der Suche nach Nelly noch für Nelly in ihrer Arbeit noch für die Leser*in dieses Romans. Übergänge, Grenzen, etwas hört auf, etwas fängt an, jemand verschwindet. Miriam Zeh liest diesen Roman als Abgesang auf das universitäre System, das nur noch Wissen, kein Verstehen vermittelt.

Was mit dem Erzählen passiert, wenn niemand mehr wirklich etwas wissen will, ist eine hochrelevante Untersuchung in den Zeiten von Fake-News. Es greift das auf, was passiert, wenn es zugleich um Alles und um Nichts geht. Nicht mehr viel, zu dem man sich in Bezug setzen kann, nichts was zum Handeln reichen würde.

„Verloren oder bewusst verworfen, ich konnte es nicht sagen, jedenfalls schien es ihr vor allem ums Erzählen zu gehen, ohne Punkt und Komma, weniger, um etwas aufzudecken, als einfach zu erzählen, weil sie Lust hatte, damit es nicht still war.“

Totenzug der Ameisen – Zoroastre an der Komischen Oper Berlin

War schon mal jemand von Euch in Tempelhof? Ich nehme an, die meisten. Einer der jüngeren Tatorte spielte mit dem Aufeinanderprallen der Hochhaussiedlungen am Rande des Tempelhofer Felds („Rollbergkiez“, verschrien) und der weltoffenen Bourgeousie im anliegenden Altbauquartier.

Als ich neulich eine Woche Hund und Wohnung in der Siedlung um den Kaiserkorso hütete, lernte ich ein ganz anderes Tempelhof kennen. Unerwartet kleine Häuser, blumenverrankte Gartenspaliere, alle Straßennamen heißen nach hohen Militärs, friedlicher als in Wiesbaden, solange sich nicht die Hunde ins Gehege kommen, die der einzige Grund sind, dass jemand in dieser Gegend spazieren geht.

In der Inszenierung des Barock-Dramas Zoroastre an der Komischen Oper (Musik Jean-Philippe Rameau, Bühnenbild Rainer Sellmaier) stehen ganz lapidar zwei Einfamilienhäuser (eigentlich: Einpersonenhäuser) auf der Bühne, dazwischen ein Rasenstück.

Dort wohnen die Antagonisten Zoroastre (Thomas Walker) und Abramane (Thomas Dolie) Gartenzaun an Spalier. Der Originaltext (Louis Buch Cahusac) erzählt von zwei Zauberern. Diese Inszenierung (Regie Tobias Kratzer, Dramaturgie Johanna Wall) erzählt von unterschiedlichen Nachbarn.

Die einen trinken Bier aus Pfandflaschen, die anderen Bier aus Dosen. Giebeldach versus Flachdach, bodentiefe Fenster versus immer runtergelassene Jalousien, Kindlelexikon und Klassikgenuss aus kabellosen Kopfhörern neben Ballercomputerspielen am Desktoprechner. Sie konkurrieren um dieselbe Frau (Amelite, Katherine Watson). Unerwiderte Liebe zu einem Nachbarn, den man jeden Tag durchs Schlafzimmerfenster sieht, das kennen wir schon von Taylor Swift, mit denselben Distinktionsmerkmalen, nur genderrevers: „she wears short skirts / I wear T-shirts“ (das Video startet mit demselben Blick auf zwei Häuser). Identität entsteht am problemlosesten, wenn man sich von jemandem abgrenzt, und wenn Konkurrenz dazu kommt, wie auf dem engumkämpften Berliner Wohnungsmarkt oder der sprichwörtlichen Liebe zum girl next door. Noch viel mehr fiebert man mit mit Erinice (Nadja Mchantaf), die wiederum in Zoroastre verliebt ist und sich dafür mit Abrame verbündet – ein Plot wie die Teeniestory im oben genannten Tatort.

Kennst Du das Land, wo die Zitronen blühen? Nein? Zoroastre auch nicht. Aber er hat sich die Zitronenbäume in den Wintergarten gestellt, sie haben unter dem engen Glasdach kaum Platz zum wachsen. Er macht Yoga, nicht in einer Klasse, sondern allein mit seinem Privatlehrer Oromases (Jonathan McCullo). Zu seiner Hochzeit kommen praktisch keine Gäste, also braucht er auch nur eine einstöckige Hochzeitstorte. Kein Wunder, dass der Chor ins Off verbannt ist. Die Gesellschaft hat keinen Raum in diesem Konflikt – für Zoroastre und Abramane jedenfalls nicht.

Der Chor sagt stimmlich zu den Emotionen auf der Bühne: „Du bist nicht allein. Wir kennen das auch.“ Aber man sieht sie nicht. Viel mehr als die kleine Welt um das Rasenstück in ihrem Vorderhof bespielen die Protagonist*innen nicht.

Eine Leinwand beamt die Tänzer*innen des Balletts in Ameisenkostümen in Sichweite des Publikums, wenn die Sänger*innen in die Nähe des Rasenquadratmeters im Bühnenvordergrund kommen. Die Asche, die von Céphies (Katarzyna Wlodarcyk) Zigarette fällt, segelt als Bombenregen über die Ameisengruppe ins Gras, während der Text singt „welch grauenvolle Nacht“.

„Zittre vor meinem Hass und meiner Macht und dem was dir bevorsteht“ heischt Erinice, die ähnlich wie Azucena in Trovatore auch stimmlich zum energetischen Zentrum des Abends wird, ihre Konkurrentin an. Liebeskummer, Eifersucht, privates Drama dieser Inszenierung werden dem dramatischen Text des Originals, in dem Zauberer den Kampf um Gut und Böse ausfechten, nicht gerecht, solange man nicht ihre Auswirkungen auf ihre Umwelt einbezieht. Was das Ballett der Ameisen erlebt, spiegelt die Dramatik des Librettos wieder.

Auch der soziale Distinktionskampf um das Tempelhofer Feld, darum, was es heißt, in Berlin zu leben, der Rückzug auf die privaten Merkmale der richtigen Brille und des freiheitlichen Schrebergartens, hinterlässt einen Nebenkriegsschauplatz Restwelt. Möglicherweise ist es Absicht, dass der im Kontrast komponierten Musik (alles um Zoroastre wunderschön, alles um Abrame und Erinice dräuend) stimmlich vom Sänger des Zoroastre eine knorpelige bis knochige Interpretation entgegengesetzt wird. Musikalisch ist die Textur trotzdem wunderschön, und das Orchester der Komischen Oper, das zeitgleich Ariberts Reimans Medea aufführt, leistet Haptisches und Zärtliches mit der barocken Musik. Die Streicher spielen in dieser besonderen Interpretation mit Barockbögen auf modernen Instrumenten, als Analogie darauf, dass diese Inszenierung die Themen der modernen Welt mit dieser barocken Musik zum Klingen bringt. Währenddessen legt Erinice ihre Stilettos ab und interagiert zunehmend barfuß im zerstörten Vorgarten, und die Ameisen begraben ihre Toten.

Wieder am 24., 28. Juni, 6., 8. und 14. Juli.

»Am Ende stellt sich doch die Frage, ob der ›Gute‹ wirklich der moralisch Höherstehende ist«  (Interview mit Dirigent Christian Curnyn, Regisseur Tobias Kratzer, Ausstatter Rainer Sellmaier und Videodesigner Manuel Braun)

Prosanova 2017

Festival für junge Literatur, 8.-11. Juni 2017,  Hildesheimer Nordstadt

„Kennen wir uns?“

Prosanova 2017. Vier Hallen, 800 Teilnehmer, gemischt gutes Wetter. Das eigentliche Festival beginnt ja oft erst am zweiten Tag aus dem Rückblick, und von dort macht dann der erste Tag Sinn.

Material, Prozess, Protokolle, das ist das Thema, das sich die Organisator*innen, die Redaktion der Literaturzeitschrift Bella Triste ausgedacht haben – ein Themenfeld so weit, dass das Festivalgelände (vier große Hallen in der Nähe des Bahnhofs und die dazwischenliegenden Grünflächen, siehe Foto) mehrfach reinpassen würde.

Das Festival kickte für mich ein mit dem Frühstück am Freitag, bestehend aus Kaffee, Tee und dem Inhalt eines Obstkorbs. Das wir im Nachhinein „das Chorfrühstück“ nannten. Der Chor ist die Schnittstelle von Musik, Theater und Literaur und durchzieht alle Zeitalter des Theaters nach Hans-Thies Lehmann, habe ich beim Frühstücken im Rahmen eines Referats gelernt, das in seinen letzten Zügen kurzerhand kollektiv vorbereitet wurde.

Wer spricht hier eigentlich?

Das hat viel zu tun mit einem angenommenen Wir und damit, wen man kennt, und was man für allgemein verständlich hält und glaubt, gar nicht mehr sagen zu müssen.

Das Wir ist immer eine Ansammlung von konkreten Einzelpersonen, oft aber schwammig und tröstlich. „Wann wird etwas zu einem Wir? Was soll ein Wir verheimlichen“, fragte Felix Ensslin an das Wir aus Angela Merkels „Wir schaffen das“. Das Wir macht genauso oft etwas sichtbar wie es etwas verschweigt das dann als Unwohlsein bleibt. Über das Wir muss keine Aussage mehr gemacht werden. Alle Fragen scheinen entschieden wenn die eine Frage beantwortet ist „Wer ist eigentlich wir?“.

Dabei ist das „Wir“ eigentlich noch interessanter als das „Ihr“, weil es darin noch viel unausgegorener brodelt. Das „Ihr“ soll nur abgrenzen und nur sagen: „Ihr seid so. Wir, wir sind nämlich ganz anders.“ In diesem „Ihr“ kann man alles ablagern. Vom Wir kann man nicht so ohne Weiteres behaupten, dass das nichts mit einem zu tun hat, von dem ist man ja ein Teil. Da wird es erst spannend mit dem was da alles reinpassen muss.

Wir übernehmen nicht

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Bei der Release-Veranstaltung der Zeitschrift die Epilog zu ihrer Ausgabe über die Generation Golf trat ein Chor (This is Hardchor, Foto) auf, der Poplieder singt, die „Ich“ singen. Zwischen all den Texten, die eine Generation einfangen wollten, konnte man einer Stimme zuhören, die gemeinsam etwas ausdrückte, die die unterschiedlichen Emotionen einebnete in einen beruhigenden Klangteppich, den immer schon jemand anderer gefühlt hatte.

Der Chor hat etwas tröstliches, wenn alle mitsingen “ I don‘t wanna feel“ und zugleich damit auf der Tanzfläche mit geschlossenen Augen völlig allein sind.

Was verschwindet in diesem Chor?

Tim Holland, Anne Munka: Futur Drei

Am Samstag Mittag befinden wir uns in der Klanginstallation Futur Drei (audiolink) von Tim Holland und Anne Munka (Samstag Mittag) in einem Live-Hörspiel als wären wir alle multipliziert, multivokal, polyvokal Teil eines Kollektivs dem dieselben Sätze durch den Kopf gehen.

  • „Ich bin keiner von uns“„stirbt allein“
  • „Die alten Beziehungen waren barock / eine Überforderung / jetzt führen wir für jedes Gefühl eine eigene Beziehung.“
  • „Wir greifen nach uns“
  • „Die Scham die uns beim Schwimmen trägt“
  • „Wir suchen nicht mehr, wir finden uns auf Börsen“

Taxilesungen (Tim Holland, Shida Bazyar)

Während der Taxilesung („die exklusivste Lesung der ganzen Welt“) am Sonntag Mittag liest Tim Holland (audiolink) denselben Text noch ein mal vom Vordersitz in die aus drei Personen bestehende Audienz. Als wir den Bus überholen, der an einer Haltestelle wartet und den Fahrplan einhält, sind wir bei der Stelle „es gibt Leute die nicht mitmachen wollen bei dem Kollektiv“. Viele bezeichnen die Taxilesung als das beste Format des Festivals, ein Format, an dem nur drei Personen (neben Fahrer und Autor*in) teilnehmen.

Im Taxi kommt man selten am Erzählen von Kurzformen des eigenen Lebens vorbei, anders als im Bus gibt der enge Raum einen Rahmen vor, in dem man fast immer etwas über die Kinder des Fahrers erfährt.

Auch beim Lesen ist man meistens allein und hat die intime Erfahrung einer Stimme, die einem etwas erzählt. Bei einer anderen dieser Taxilesungen verschwindet für mich das einzige Mal auf diesem Festival der Kontext der Umgebung und ich befinde mich völlig in einem Text. Shida Bazyar liest den Text „Die du dir baust“ den ich noch einige weitere Male hören und lesen will und bei dem mir nichts der Dinge auffällt, die mir bei Tim Hollands Lesung aufgefallen sind, keine Straßenschilder mit Ausrufezeichen, Hinweisschilder, Straßennamen, die einen dreidimensionalen Paratext zum Live-Audio bildeten, weil ich völlig im Text untergetaucht bin, in der Beziehung zwischen dem Du und dem Ich im Vordergrund, die den Hintergrund des nichtbenannten aber lauten Kollektivs überdeckte und das Ich überhaupt erst in dieses Kollektiv gebracht hatte.

Das greift die große Frage der Schreibschulen auf, ob die Stimmen, die in diesen Räumen wie dem Blauen Salon auf der Domäne Marienburg, in dem das Institut für Kreatives Schreiben der Uni Hildesheim seine Seminare hält, entstanden sind, wiedererkennbar sind. Ob es so viele braucht, die mit einer Stimme sprechen.
Wem hört man eigentlich zu?

Ständig bilden sich Schlangen, obwohl es selten wirklich voll ist. Am Sonntag stellen sich Menschen schon in einer Schlange an, obwohl es bei der Insellesung auf dem Parkplatz ganz sicher keinen Einlassstopp geben wird, einfach aus Gewohnheit. Die Schlange, in der sich alle mehr oder weniger ordentlich einreihen. Ist das nicht Teil der Sehnsucht des Individuums, sich aufzulösen, Teil einer Gemeinschaft zu sein (Tocotronic – „Ich möchte mich auf Euch verlassen können)?

An wen richtet sich das Erzählen, wem erzählen wir etwas?

Uns?

Julia Rüegger: Holzhacken, Freitag

Am Freitagnachmittag wird bei der Veranstalung „Skriptor“ gemeinsam ein Text von Autor*innen und Lektor*innen bearbeitet (audiolink), der „Holzhacken“ heißt.

Aus dem Kinder-Wir löst sich während des Textes eine der beiden Schwestern. Das ist die Handlung. Es hört auf, ein Wir zu sein, als eine der beiden immer besser wird beim Holzhacken und die andere es nicht lernt. Etwas spalten, um es dann zu verfeuern. Ein Feuer damit zu nähren. Dabei ist es schon sehr, sehr warm, auch wenn während der Diskussion der Regen auf das Wellblechdach des räumlich begrenzten Anbaus prasselt. Und während das Ich des Textes das Holzhacken nicht hinbekommt, hört das Wir auf, und das Ich weiß, dass das Holzhacken irgendwann einmal lebensrettend sein wird.

„Dieses Gefühl von ‚wir sind nicht gleich‘ ist schon ziemlich früh da“, sagt Anke Stelling in der Diskussion des Textes. Am Vormittag desselben Tages sagte sie in der Veranstaltung „Einen Augenblick organisieren“ zu ihrer Dramaturgin Daniela Plügge immer wieder „da sind wir verschieden“.

Was heißt das über ein Wir, wenn da nicht mehr geredet werden muss, wenn „da sind wir verschieden“ schon der Akkord ist auf dem das Lied endet, kein Septakkord, nichts unaufgelöst, einfach das Ende.

Da sind wir verschieden, Prosanova –  da würde ich gerne noch weiter drüber sprechen.

Kai aus der U-Bahn oder das Tüte-Graffito

Es ist ja nun nicht so, als ob sich nichts tut in Moabit. Der U-Bahnhof Birkenstraße hat seinen einen Ausgang geschlossen und dafür seinen anderen Ausgang wieder geöffnet, so wie wenn man von seinem Standbein auf das Spielbein wechselt. Als ich klein war, war die Gegend nördlich der Turmstraße eine unheimliche Gegend, schlecht beleuchtet, wo man darauf achtete, dass die Kinder zu zweit, nicht allein nach der Ministrantenstunde nach Hause gingen. (Die Gemeinde liegt in der Nähe der Turmstraße, ich wohnte im Süden.)

Als ich 2013 zur Wohnungsbesichtigung fuhr, wunderte ich mich über den anachronistischen Bahnhof, keine Rolltreppen, kein Backshop, keine Bushaltestelle, sehr kurze Treppenfluchten, die kaum Distanz zwischen Gehweg und Bahnsteig legen. In meinem ersten Jahr stiegen mit mir drei Leute oder auch mal niemand anderer aus der Bahn aus, dann wurden es 10, 20, inzwischen sind es fast 50.

Die U 9 wurde (für Menschen, die U-Bahnen lieben, ist Wikipedia eine Freude. Das sind Menschen mit Hingabe, die diese Artikel angelegt haben) in den 60ern erbaut und verfolgt ein Konzept mit ihren kleingekachelten farbverschiedenen Bahnhofsgestaltungen, die in Blau- und Grüntönen einen ineinander übergehenden Farbverlauf bilden, wenn man sie aneinanderreihen würde, also ohne dass die Bahn zwischendurch Tunnel fahren müsste.

Darum gab es Protest bei der Renovierung. Eigentlich wollte ich aber über die Tüte-Graffitis schreiben, die sofort auftauchten, nachdem der eine U-Bahneingang fertig war. Sozusagen als Einweihung.

Ich habe hier eins für Euch festgehalten als Beitragsbild – die im Bahnhof wurden schnell wieder entfernt (vermutlich gibt es schon wieder neue, ich muss mal schnell genug sein, eins festzuhalten).

Die hängen überall an Moabiter sprühfähigen Flächen, und ich habe keine Ahnung, was sie bedeuten. Sie erinnern mich an das „tut“ und „tat“ aus Kai aus der Kiste.

Kai gewinnt den Wettbewerb um eine Marketingkampagne der Marke „tut“ damit, dass er überall seine Freunde, anderer Berliner Kinder einspannt, und sie biss zum Entscheidungszeitpunkt viel mehr Zeichen in der Berliner Plakatlandschaft hinterlassen haben als sein Mitbewerber.

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Möglicherweise handelt es sich aber um etwas ganz anders als ein Wolf-Durian-Zitat mit Umlaut-Erweiterung, die ich immer sehr begrüße.

In eine Tüte kann man etwas hineintun. Man braucht sie praktisch immer. Zum Schwimmengehen, um das nasse Badezeug nach dem Schwimmen einzupacken. Damit Das Brot nicht trocken wird. Beim Einkaufen. Um sich nach einem Sommerregen auf die Wiese setzen zu können. Oder während des Regens über den Kopf zu halten. Eine Tüte schlägt die meisten Viele-Verwendungsmöglichkeiten-für-ein-Ding-Gegenstände um Längen. Und man kann sie falten, knüllen und rollen und so klein machen wie man gerade Platz hat.

Damit sind sie ein bisschen wie das verzauberte Zelt aus den späten Bänden von Harry Potter, das nach dem Aufbauen viel größer wird als andere Zeltvorrichtungen die so in eine Handtasche passen.

Das Knüllprinzip ist auch für andere Gegenstände beim Packen für Zelturlaube vorteilhaft anwendbar.

Das Tüte-Graffito besticht auch durch eine gewisse Eckigkeit und Gleichmäßigkeit (die Farbe ist nicht immer so verlaufen wie bei dem hier fotografierten Exemplar) und erinnert an Sütterlinschrift.

Ich bin dankbar für Hinweise um wen oder was es sich bei diesem Graffito handelt, bis dahin weiß ich seine Metaphorik unbekannterweise zu schätzen.

Snowden (USA 2016)

Ein Mann verkleidet sich, zieht die Schiebermütze tief ins Gesicht. Eine Fotografin hängt ihm zur weiteren Verkleidung ihre geliebte Kamera über die Schultern. Mit nerdigem Rucksack und gesenktem Kopf verlässt Edward Snowden das Hotel, das schon vor Journalisten wimmelt. Ein Mugshot ist geboren.

Was war geschehen?

4. Juni 2013. Zwei Journalist*innen (Melissa Leo als Laura Poitras und Zachary Quinto als Glenn Greenwald) treffen einen unscheinbaren Mann (Joseph Gordon-Levitt mit Brille) an einem Flughafen in Honkong. Erkennungszeichen ist ein Zauberwürfel (Rubikon). In Oldschool-Spionage-Manier wechseln sie codierte Dialoge als Erkennungszeichen. Ein Hotelraum voller Spiegel und undurchsichtiger Behänge vor den geschlossenen Fenstern (Achtung, Metapher!) wird zum Schauplatz eines Interviews, das in Rückblenden die Stationen rekapituliert, die zu dem Moment geführt haben, der das Verhältnis der USA zu ihren Freunden und das Leben des Nerds Ed Snowden für immer verändern wird.

Regisseur Oliver Stones (Wallstreet) Heldenepos endet nach 134 Minuten in einer Predigt, untermalt von Musik aus dem Vorspann eines Computerspieles: Wir werden die Welt mit neuen Augen sehen. „Ich stehe hier, ich kann nicht anders“, sagt der Martin Luther des 21. Jahrhunderts, ein Botschafter zwischen unsichtbaren Mächten (Daten! Der geheime Beobachter hinter deiner Laptopkamera!) und den Menschen auf der Erde.

Ein mit seinem Wissen einsamer Mann, ein Ausnahmetalent, den Programmiertest mit angesetzten Dauer von fünf Stunden löst er in 38 Minuten.

Anfangs hat er sich beim Militärdienst noch beide Beine gebrochen, das Gewicht, dass er sich auf die Schultern geladen hatte (Achtung, Metapher), war zu schwer für eine Person. Also sucht er sich einen anderen Weg, seinem Weg zu dienen. Er hat zwar keinen Schulabschluss, aber den Verstand eines Genies. Deutlich wird das vor allem an seiner Liebe zum magischen Zauberwürfel. Natürlich sehen wir auch Code über Computerbildschirme laufen. Die Amerikaner lieben ihre Helden. Mich interessieren eher Menschen. Die Kamera Anthony Dod Mantle (Slumdog Millionaire, Von Triers Antichrist) macht mit ihren klugen Kompositionen von Gebäudeteilen, Fenstern und Spiegeln einiges wett. Die religiösen Konnotationen um Macht, die alles weiß, über Leben und Tod entscheidet und im Verborgenen bleibt wirft interessante Fragen auf, wo der Film aus der Verengung auf seinen Protagonisten ausbricht.

Schlechtester Dialog

„That, Mr. Snowden, is the state of the world. Secrecy is security, and security is victory.“

(Nicolas Cage als CIA-Official Hank Forrester zu Menté Ed während eines Videotelefonats, das ihn in Überlebensgröße an eine Wand projizert. Es folgt ein Zoom. Herzhafte Lacher aus dem Publikum.)

Reaktionen aus dem Publikum

Das erste Mal, dass ich die Sneak in dem herrschaftlichen Saal mit roter Plüschsamtbestuhlung und Balkonsitzplätzen erleben darf (das Passage-Kino hat wohl mit einem Herbsteinbruchkinoboom gerechnet oder wollte dem Anspruch des Films gerechnet werden) sitze ich in einem aufmerksamen Publikum, das mit einer kurzen Lachpause (siehe letzter Punkt) bis zum Ende um fünf vor halb zwei. Das ist Einsatz.

Äh, und der Bechdel-Test? Nein. Es gibt überhaupt nur zwei weibliche Sprechrollen. In den Rückblenden der love interest (Shailene Woodley, Divergent, das Schicksal ist ein mieser Verräter – warum sie sich zu einer Rolle als „Freundin von“ herabgelassen hat, bleibt unklar – neben Nicolas Cage ist sie der größte Star in dieser Besetzung), in der Rahmenhandlung eine Journalistin, die Fotos macht. Dieser Film geht so weit, dass selbst die Dialoge der Frauen mit Männern sich nur um einen Mann drehen. Übrigens gibt es im Film auch so gut wie keine nichtweißen Menschen. Selbstverständlich reden sie auch nicht miteinander. Einer der drei (natürlich Männer) ist immerhin kein Bediensteter/Bodentruppensoldat. Edwards Spitzname „Snowwhite“ trifft also auch auf den ganzen Film zu.

Fazit: Ein messianisches Erlebnis über die Macht von Technik und die Technik der Macht, mit eindrucksvollen Bildern, durchschnittlicher Schauspielleistung, epischen Musikteppichen und Überlänge.

Diese Rezension (mit leichten Änderungen) wurde zuerst veröffentlicht bei ZurQuelle.

Wasserblogs

Ich wollte einen Schwimmbadroman schreiben. Was man beim Schwimmengehen in der Großstadt, noch dazu einer mit einer so kreativen Verwaltung wie Berlin, alles bedenken muss, was einem unterkommt, was ich erlebt habe. Selbstverständlich alles autobiographisch. Sozusagen ein Enthüllungsroman in Badekleidung. Und vom Schwimmen selbst, vom Wasser. Von der Bewegung, vom „Gleiten, Ziehen“ (Blauer Abend in Berlin, Oskar Loerke), der veränderten Erfahrung nach dem Auftauchen.

Nun habe ich festgestellt, dass Chlorhuhn (Petra) diesen Text bereits geschrieben hat.

Ich lasse mich durchs Wasser gleiten. Ein Armzug, die Arme dann eng an den Körper gelegt. Dann spüre ich erneut, wie das Wasser an mir vorbeiströmt. Wie ich hindurch gleite. Auf dem Edelstahlboden des Beckens sehe ich meinen Schatten. Zum Spaß mache ich einen Delfinkick. Einfach, um meine Kraft zu spüren. Alles verschwimmt in diesem Moment. Ich bin ganz bei mir und freue mich auf die jetzt noch knapp 3.000 Meter, die vor mir liegen. An manchen Tagen flößen sie mir ein bisschen Respekt ein, an manchen nicht. Ganz egal, wie gut oder schlecht das Folgende läuft – die ersten paar Meter unter Wasser, dieses Gleiten und Spüren der Strömung – das ist für mich immer das Schönste am Schwimmen!“

(Chlorhuhn am 26. 12. 2014)

Gestolpert bin ich über ihren Blog über den von Kraulquappe („Eintauchen in eine chlorreiche Gegenwart, einer verschwommenen Zukunft entgegen“), der ich bereits seit einiger Zeit folge. Die Schwimmblogger*innen begehen gerade das (offensichtlich offizielle) Ende der Freibadsaison.

(Berlin hat, wie üblich, in jedem Bad eine unterschiedliche Regelung, die meistens im Bad aushängt, dann aber auch noch mal spontan geändert wird, also typisch Berliner Schwimmbadzustände, in diesem Fall aber in seiner Kreativität flexibel,so dass hier weiterhin Bäder offen haben! Das Strandbad Plötzensee hat übrigens ebenfalls noch offen, steht nicht auf der Website, kann sein, dass auch andere noch offen haben, ausprobieren! #derberlinersonderweg)

Dass über Wasser zu schreiben genug Stoff für ein ganzes Schriftstellerwerk ist, weist John von Düffel seit 1998 nach. Auch er beschäftigt sich mit dem Schwimmen in einer minutiösen Detailperspektive. Dieser Fokus auf einzelne Dinge ist tatsächlich eine Perspektive, die beim Schwimmen entsteht. Die Zeit, die es braucht, Bahnen zu schwimmen, geben einen Rahmen vor. Das Einatmen, Eintauchen, Durchziehen wiederholen sich. In diesem Zeitraum ist Platz dafür, Gedanken nachzuhängen, an einer Erinnerung hängen zu bleiben, aber auch eine Bewegung ein paar Bahnen ganz bewusst zu beobachten. Das Wasser zu spüren bedeutet, eine Grenze für den eigenen Körper zu spüren, da hört er auf. Wenn ich nichts anderes spüre, weiß ich: Das hier ist mein Körper, da ist das Wasser. Es gibt Ruhe, Zeit und Fokus. Rhythmus und Bewegung. Das spiegelt sich auch in der Erzählweise der Wasserblogger und Ehren-Wasserblogger-in-Printversion wie John von Düffel wieder.

Der Hessische Rundfunk hat über diesen Zusammenhang einen 14-minütigen, aber sehr informierten Tonbeitrag (klicken:hören) gemacht.

Die Freibadsaison mag bald vorbei sein, aber die Seen handhaben diesen einheitlichen Saisonzyklus, so wie ich das überblicke, flexibel. Und es gibt ja noch das Hallenbad. Aber das ist eine (nicht völlig) andere Geschichte.

Die Katrin wird Soldat

von Adrienne Thomas las ich zuerst mit 15, nehme ich an, und es prägte sich mir mit einer Intensität ein, so dass ich immer wieder daran dachte, obwohl niemand über dieses Buch sprach. Es war eines der Bücher, die mir dankenswerterweise von der Bibliothekarin der Stadtbücherei Spandau ans Herz gelegt wurden.

Adrienne Thomas wurde unter dem Namen Hertha Strauch 1897 in Lothringen geboren und wuchs dort in einem gutbürgerlichen Haus zweisprachig auf. In Metz, wo sie zur Schule ging, lebten Deutsche und Franzosen miteinander.

Als Jüdin und, noch dringlicher, Pazifistin, wurden ihre Bücher verboten, sie emigrierte 1933 in die Schweiz, über Frankreich, Österreich, Tschechien, Portugal und andere Europäische Länder (diese Erfahrungen flossen in andere Romane wie „Reisen Sie ab, Mademoiselle“ ein) schließlich 1940 in die USA. Read More

Stella Goldschlag / Neuköllner Oper

                                                                                                                                                         eine unmusikalische Opernrezension

Die Neuköllner Oper inszeniert das Leben der jüdischen Greiferin Stella Goldschlag, die 1922 in Berlin geboren wurde (Libretto Peter Lund, Komposition Wolfgang Böhmer). Sie spielte eine Rolle in vielen Biographien von während der NS-Zeit untergetauchten Juden, sogenannten U-Booten. Das Wagnis, ein reales, umstrittenes Leben zu dramatisieren und zu vertonen, zwischen Dokumentation (Fakten müssen untergebracht werden) und Reduktion (wie kann man einem Menschen gerecht werden, dessen Erleben ein paar Stunden lang zur Identifikation einlädt?) gelingt in einer Meditation über Blickrichtungen und Urteilen.

Das Publikum sitzt sich im Bühnenbild von Sarah Katharina Karl in zwei Blöcken gegenüber, in der Mitte ein Kubus aus Metallrahmen mit Glas dazwischen, wie ein Gewächshaus. Je nach Licht spiegeln diese Flächen, und man sieht sich als Publikum selbst, und dahinter den gegenüberliegenden Block, zwischen an Gefängnisgitter erinnernden Metallstangen.

Eine Sängerin, fünf Sänger, Frederike Haas spielt die Stella mit blonden Perücken, durchgängig, während die fünf Männer wechselnde Rollen übernehmen: ihren Vater, ihren guten Freund Gregor, Adolf Eichmann, Gestapo, SS, ihre drei Ehemänner.

Die Männer tragen Anzüge und sehen gleich aus, nur ihre Schuhe unterscheiden sich: Polierte Anzugschuhe, Turnschuhe, Armeestiefel … in ihrer Gleichheit werden sie zu einer Mehrheit, in der die einzelne Frau verschwindet.

Die meiste Zeit verbringt Stella innerhalb des Glaskubus‘, klettert in ihm per Leiter zu ihrem Vater aufs Dach, liegt auf dem Boden, probiert Kleider an, lehnt sich an die Wände oder versucht sie zu durchbrechen.

Stella bleibt in ihrem Kasten eingeschlossen, die Männer umkreisen den Korpus der wie ein Käfig erscheint, wenn die Glasflächen durchsichtig sind, lachen, diskutieren, bleiben souverän, letztlich frei und diskutieren über sie, Stella.

Das Publikum schaut zusammen mit den Männern auf sie, und gleichzeitig in der Spiegelung auf sich selbst zurück. Damit gibt das Bühnenbild ein erlebbares Abbild der Debatte um die Schuld der jüdischen Mittäter während der Verbrechen der NS-Zeit. Es wird geurteilt über Menschen, die wenig Möglichkeiten hatten, aus einer Position, die frei und sicher ist. Im Blick auf die Betroffenen herrscht der Spiegel der eigenen Position vor, so wie sich das Publikum im Bühnenbild spiegeln kann: Es beschäftigt sich letztlich mit sich selbst. War ich vielleicht weniger schuldig, wenn ich diese Person betrachte?

Es geht um das Publikum, um Handlungsspielräume und Urteilen – Urteilen über jemanden mit wenig Handlungsspielräumen, gespiegelt und identifiziert in Männern, die in viel einfacheren Positionen sind, mit Bewegungsräumen, Teil einer Gruppe, die scheinbar ganz genau wissen, wie das alles zu sehen sei.

Das ist eine der wichtigsten Fragen nach dem Holocaust: Ihn nicht als klaren, monolithischen Block zu sehen, der abgehakt werden kann. Etwas über ihn auszusagen bedeutet immer auch, sich damit auseinanderzusetzen, wo die Verhaltensweisen, die ihn möglich gemacht haben, heute existieren. Und das hat viel mit Gruppen, Individuen und dem Urteilen über Menschen zu tun.

Mit neun Nominierungen führt diese Inszenierung verdient die heute veröffentlichte Auswahl der Jury für den Deutschen Musicalpreis an und wird hoffentlich bald wieder in den Spielplan aufgenommen.

Westdeutschland

David Wagner: Vier Äpfel und Meine Nachtblaue Hose

Als ich klein war, war Westdeutschland ziemlich weit weg, man musste zum Autobahnkreuz Dreilinden fahren, dort sechs Stunden warten, danach vier Stunden Autobahn fahren, und dann war man da. Zumindest war das mein Eindruck. Da die Mauer erst fiel, als ich neun war, waren 10 Stunden proportional zu meinem Gesamtleben eine lange Zeit. Aber es gab Bücher, allen voran Jo Postum, Peter Härtling und Dagmar Kekulé, da kam man schneller hin, mein Hauptversorgungspunkt war die Bibliothek in Altstadt Spandau, weil die Bibliothekarin dort so nett war, und weil sie viel mehr Bücher hatten als die Hansa-Bibliothek.

Daher hatte ich eine Vorstellung von Westdeutschland, es gab dort Jugendzentren und Baggerseen, Landstraßen mit schwarzweißen Pfeilern an beiden Seiten, mit links zwei Punkten und rechts einem senkrechten Streifen in der schwarzen Bandierung, weiß, und vor und nach Einfahrten rot – letzteres ist wieder eigenes Erleben, das sich mir auf nächtlichen Fahrten eingeprägt hat.

Später, im Studium, lernte ich einige dieser Einfamilienhäuser in kleineren Städten kennen, während ich Kommilitonen zu Hause besuchte. Grillen im Garten, ausgelegte Trittsteine, befestigte Tischdecken, an denen kleine schöne Plastikfrüchte hängen.

Ich fand das alles sehr interessant, so in das Leben der anderen Menschen einzutauchen, in Dinge, die ihren Alltag geprägt hatten, ohne dass sie darüber nachdachten.

Dies ist ein sehr langer Vorspann, um darüber zu reden, dass ich gerade David Wagner lese. Ein sympathischer Mensch. Eine sehr schöne Sprache. Getragen von einem langsamen Klang. Tieffliegende Erinnerungen an ein Westdeutschland, das ich von diesen Kommilitonenbesuchen kenne, Gegenstände auf dem gedeckten Tisch, Marmeladenzubereitung, Lebensmittelaufbewahrung spielen eine wichtige Rolle. Eine nachtblaue Hose hat die frühere Zugehfrau des Erzählers ihm über den Stuhl gehängt.

Neulich war ich bei einem Diaryslam. Dort lesen Leute aus ihren Tagebüchern vor, meist aus der Zeit, als sie 10 – 18 waren. Es kam mir wie eine sehr informative Veranstaltung vor, in der ich wirklich viel über die Jugend an anderen Orten lernte. Von Menschen, denen damals etwas wichtig war, damals ihr Leben wichtig war.

David Wagner erinnert sich. Die emotionale Intensität der Texte, entfaltet sich in der kurzen Distanz bei der Beschreibung der Gegenstände. Es gibt keine Fragen, keine Themen, nur Alltagserinnerungen, in denen Emotionen mitgeliefert werden. Das ist alles. Was ist das? Erzählt er das, in einer Welt, in der nichts mehr wichtig ist, weil für alles gesorgt ist? Ist nur noch wichtig, was mal wichtig war, als man noch nicht den Überblick hatte, als noch alles relevant war?

Es ist für mich nicht relevant. Als jemand, der nicht so aufgewachsen ist, sagt mir der Text nichts. Ich denke nur, ich müsste da gelebt haben, wo die Eier in Paletten von acht mal sechs geliefert wurden, um zu dem Wir zu gehören, das dieser Text voraussetzt. Es ist, als müssten meine eigenen Erinnerungen das ausgleichen, was der Autor mir nicht erzählt. Mir fehlt das Wasser, um dieses Instantpulver aufzugießen, es bleibt trocken.

Ja, da ist eine Liebe in Vier Äpfel. Die Erinnerungen an eine Frau mit dem bezeichnenden Namen L. begleiten den Erzähler durch einen Supermarkt. Ich mochte die Erzählstruktur sehr, ich mag die Fußnoten zu Äpfeln, Eiern und Speisenkellern.

Sie sind nett, die Fußnoten dahingegen im Knackstedt von Michael-André Werner, die ich auch sehr liebe, kommentieren jedoch klug, witzig, geben dem Text eine andere Farbe, Tiefe, sind Abstufungen und Schattierungen die irritieren und mir etwas über die Fragen erzählen, die die Welt stellt. Die in Vier Äpfel erinnerte Beziehung zu der Frau ist zu austauschbar, und die Erinnerungen an Marken sagen mir nichts.

Das einzige Kapitel das in mir die Idee geweckt hat, es könnte noch um etwas gehen, die sich leider nicht konkretisiert hat:

„51

Wer oder was bestimmt mich? Ich glaube, ich bin eine Biene, die durch den Supermarktgarten fliegt, die Verpackungen sind meine Blüten, Form und Farben, Schrift und Geruch verführen mich. Geruch? Aber ich rieche doch gar nichts, ist ja alles verpackt. Ich bin dressiert darauf, auf Formen, Farben und Schriften zu reagieren, bin vielleicht kein perfekter, alles in allem jedoch ein zuverlässiger Konsument, denn ich kaufe die Marken, die ich kenne und schätze und schon immer kaufe, und bin ich mit ihnen glücklicher als mit den Produkten ohne Namen, meine Marken sind noch bei mir, L. ist es nicht.“

Ich hatte Fragen als Jugendliche, ich habe Dinge erlebt, die mir wichtig waren, und dieser Prozess endete mit dem Ende der Jugend nicht. Wenn ich in Texten diese Fragen und Erfahrungen wiederfinde, oder wenn sie Fragen und Themen in mir ansprechen, kann ich den ganzen Weg einer Figur mitgehen.

Die bloße Erinnerung an Gegenstände reicht für mich dafür nicht aus.

„So ist es gewesen“, schreibt Gustav Seibt auf dem Klappentext. Formiert sich da ein deutsches Wir, das vergisst, dass es andere Menschen in Deutschland gibt? Das seine Identität aus der langweiligen, aber beruhigenden Privatvergangenheit des eigenen Reihenhausaufwachsens schöpft?

Der allgemeingültige Ton ist verwirrend und beunruhigend: die Unzufriedenheit mit der Belanglosigkeit des Lebens, die im Eigenen Bedeutung sucht statt den Blick nach Außen zu richten. Die deutsche Teilung, Einkunftsunterschiede, de facto Armut, Herkunftsunterschiede, Scheitern an Grenzen, die es in der Gesellschaft gibt, gehen in dieser Faszination mit der Belanglosigkeit der eigenen Jugend unter, die sich in der nachtblauen Hose eine Stimmung entwickelt wie ein schwüler Tag am Rhein.

„Eine Reise an den Rhein und in die Kindheit einer Generation“ schreibt der Klappentext – die Kindheit der Bundesrepublik fand am Rhein statt, dort wuchs sie politisch auf, soweit könnte man noch gehen, vermutlich würde man bei Böll (z. B. in Billard um halbzehn) Unterstützung für diese These finden, aber es ist nicht die Kindheit einer Generation. Wenn es die Kindheit einer Generation wäre, dann hätten wir in Deutschland wirklich nichts anderes zu beschreiben und politisch nichts anderes zu tun als traurig zu sein dass uns der eigene Überfluss keine besseren Schreibthemen beschert. Das lullt aber alles ein, es lädt dazu ein, wegzugucken. Der Mangel an Themen ist nicht das einzige Problem, das es in Deutschland gibt. Die Menschen, die in Reihenhäusern in Westdeutschland aufgewachsen sind, sind nicht die einzigen, die es in Deutschland gibt. Ein Problem gibt es wenn sie nicht nur den Ton angeben, wie es zu sein scheint, sondern außerdem nichts von den anderen wissen.

Publicradio

Radio hat auch Wellen. Man muss sie nur irgendwo einfangen. Und hören. Man sieht sie nicht, es gibt unzählige Frequenzen über die Töne, Worte, Inhalte in der Luft sind.

Frequenzen sind geregelt, wenn zu dicht aufeinander gesendet wird, gibt es Interferenzen. Eigentlich etwas Erstrebenswertes.

Dinge, die sich zu etwas Neuem vermischen, in Kontakt kommen.

Berlin ist eine große Stadt mit der dankenswerten Tradition, die andere zu lassen, wie sie ist, und den anderen, wie er ist. Du musst nicht sein wie ich, damit du in dieser Stadt existieren kannst. Read More